这场南国漫游，剥开了被遗忘的时代伤疤 -

电影《人海同游》在釜山国际电影节"新浪潮"单元进行全球首映后，又入选平遥国际电影展藏龙单元，并参与"费穆荣誉"奖项的角逐。作为蔡杰导演的首部故事长片，该片已展现出近乎匠人精神的成熟电影审美。依托港粤地区独特的文化背景，他以人物情绪与氛围感为载体，细腻刻画时光的电影作品，深刻诠释了"借来的时光"这一主题。

电影《人海同游》的剧组近日在韩国釜山展开拍摄工作，凭借独特的海洋景观与人文气息，该剧组在取景地的拍摄过程引发了当地媒体的高度关注。

电影《人海同游》剧组在平遥展开拍摄时，特别追随影片中名为麦婉婷的女孩视角，通过从雾气氤氲的广州到璀璨灯火的香港的迁徙轨迹，探寻城市、记忆与文化的深层联系。海报中那枚呈现裂痕的红色荔枝，不仅承载着蔡杰导演对时代情绪的独特诠释，更暗喻着岭南地区平凡生活中那些蕴含情感温度的碎片化记忆，如同破碎的果壳般折射出人文关怀的微光。

在《人海同游》国际版海报发布会上，蔡杰导演谈及影片创作团队的组建过程时表示，由于故事聚焦粤港两地文化，最初便确立了广州与香港双线叙事的结构。为实现这一构想，导演特别寻求在香港具备丰富经验的电影人才参与制作。其中美术与造型设计由香港资深从业者潘燚森担任，他长期合作许鞍华导演，曾参与《桃姐》《天水围的日与夜》等经典作品。蔡杰表示，选择这位前辈源于对其擅长呈现岭南城市空间与人文气质的信赖，通过行业内人士引荐递送剧本后，最终达成合作。

潘燚森在电影配乐領域有着獨特的見解，尤其在兩岸合作項目中尤為突出。對雷光夏的音樂一直情有獨鐘，當電影製作接近尾聲時，我敏銳地覺察到她的音樂風格與影片氣質高度契合，於是主動發郵件聯繫。在郵件中，我提及自大學時期便深深喜愛她的作品，如今我們一群大陸青年創作的這部影片，希望能邀請她參與討論合作可能。合作的真正基礎，源於他們對劇本或粗剪版本的認可，只有當團隊認為自身創作能融入影片整體，才能共同推動項目走向圓滿結局。

蔡杰导演在谈及与关锦鹏导演的合作时提到，两人初次结识是在2017年的吴天明基金会创投活动中，当时关锦鹏担任终审评委。蔡杰带着尚处于雏形阶段的剧本（仅几千字）参与评审，关锦鹏对故事后半段的情节设计，如打口碟、老友重逢等场景，以及其对都市夜景的呈现方式，表现出浓厚兴趣。这种共鸣成为双方合作的契机，关锦鹏在沟通后直接表态支持。在创作层面，关锦鹏展现出独特的监制风格——他尊重新导演的创作主体性，不过多干预具体拍摄。尽管如此，蔡杰仍重视关锦鹏的指导，例如在雨夜观看录像的戏份中，关锦鹏提醒其注意台词分寸，认为适度留白能赋予演员更丰富的诠释空间。两人的协作更多聚焦于艺术理念的探讨，而非具体操作的指导。

监制关锦鹏询问蔡杰创作动机时，蔡杰坦言自己作为广东本土导演，深受香港文化浸润，因此选择以粤港关系为切入点作为首部长片。他观察到，相较于北方导演侧重集体记忆与乡土情结，南方创作者更倾向通过个体体验折射时代变迁。在谈及《小伟》与《人海同游》的异同时，蔡杰指出粤港文化特有的历史沉淀与世俗特质，使作品呈现出独特的微观叙事。他特别强调，电影《人海同游》中反复出现的荔枝意象，不仅承载着岭南地域特征，更串联起八九十年代港人往返穗港经商的集体记忆，这种基于具体生活细节的创作方式，正是南方导演区别于其他地域的独特标志。

影片以广州至香港寻父为主线，通过这一情节引出对身份认同的深层探讨。在观影过程中，您是否感受到其中与自身生命体验及情感的共鸣？

蔡杰表示，这部作品与他的个人经历密不可分。该故事贯穿了他二十多岁至三十岁出头的岁月，也见证了他人生轨迹的诸多转变。他希望通过银幕呈现这一阶段对广州的情感寄托、对香港文化的理解，以及处理家庭关系与步入婚姻状态的心路历程。尽管并非严格意义上的自传电影，但其中融入了大量真实的情感体验与生活感悟。

整部影片在情绪和氛围的构建上尤为用心，叙事仿佛被融入一个立体的情感空间，随人物的生活轨迹缓缓铺陈。广州场景的质感与王尔卓导演《再见，乐园》颇具相似之处，两部作品均由摄影师黄树立掌镜。谈及影片的氛围营造，蔡杰表示这与他作为纪录片导演的创作背景密切相关。他提到，尽管昨日才首次与王尔卓导演见面，但两人已保持多年微信联系。这种跨作品的共通性，源于他们同为纪录片出身的新导演，对影像语言和电影创作理念与传统戏剧训练的导演存在显著差异。蔡杰强调，电影不应被视为快餐式消费品，而应是需要在影院环境中沉浸体验的艺术形式。他认为，影片的这两小时放映时间能赋予观众独特的氛围感知，让人与空间产生微妙的情感联结。

在整个拍摄过程中，我们始终围绕麦婉婷的角色动机展开深入探讨。导演与演员提前达成共识，在片场不会给予过多具体表演指导，而是通过构建情境与动机框架，让林冬萍在创作中保持自主性。这种互动模式产生了独特的表演张力。剪辑师秦亚楠对此评价极高，表示在剪辑生涯中曾接触过众多类型演员，但极少遇到像林冬萍这样兼具素人自然感与专业层次的表演。她的演绎既保留了即兴的灵动感，又蕴含着深度的角色思考，这种特质在中国内地影视创作中尤为珍贵。

看死君问道，是什么样的契机让孙阳在影片中饰演了婉婷的男朋友？蔡杰表示，最初是因为在《过春天》中对孙阳的演技印象深刻，之后通过接触递上剧本，孙阳看完后非常认可角色，便一直保持联系。这种机缘巧合促成了合作。不过蔡杰也提到，婉婷男朋友这个角色仅有三场戏的篇幅，因此他们始终在寻找一张能让观众产生好感的脸，既体现婉婷对婚姻的信任，也传递现实生活中的安全感。只有在这样的基础上，当观众跟随她在故事中经历新的经历时，才能更深入地展现她的内心世界，增强戏剧张力。

影片中广州与香港的场景分别由两位摄影师独立完成，呈现出截然不同的视觉氛围。广州部分作为婉婷现实生活的映射，通过摄影师的镜头构建出一个封闭的都市空间，捕捉到都市打工人日复一日的循环轨迹。这种视觉呈现既展现了稳定的工作生活，又隐含着人物内心的空缺感。而当场景转换至香港时，摄影师采用更为开放的构图语言，通过光影变化和场景调度，将人物情绪导向更具流动性的表达。特别值得注意的是，婉婷在两地不同的视觉叙事中呈现出层次分明的转变：广州时期的模糊形象与香港夜晚后的清晰轮廓形成鲜明对比，暗示其内心世界在时空转换中的觉醒与重塑。

影片中的广州段落大量运用空镜头，这种手法是否暗示着城市本身在叙事中被塑造为一个独立角色？同时，婉婷家中频繁出现的空镜场景，承载着父亲过往生活的痕迹。父亲这一缺位角色，是否通过这些空镜形成了类似幽灵的不在场视角？蔡杰回应称，父亲的衣物与那封离别信正是他试图构建的家庭幽灵视角的具象化表达。他特别强调，刻意避免采用闪回手法还原父亲当年的形象，因为其真正关注的是时间流逝后，父亲留存在家庭或婉婷身上的潜移默化影响。为此进行了大量前期创作，通过视听语言将这种影响具象呈现，例如空镜中物品所传递的情感暗示与心理体验。

在她家的老木柜上，几片水果贴纸正安静地蜷缩在角落。纸张边缘早已斑驳褪色，模糊的图案像是被岁月浸泡过的痕迹，却依然固执地附着在木纹之上。这个女孩时常驻足凝视它们，仿佛透过泛黄的纸片能触摸到童年时光——父亲曾是水果摊的经营者，总在生意兴隆时剪下彩色贴纸送给她，她便把这些带着蜜糖气息的小纸片贴满整个家。如今父亲离去多年，那些贴纸却像褪色的勋章般始终挂在柜门，随着时光流转愈发脆弱，像是用沉默记载着某个时代的记忆。

看死君提到，这种感觉如同结痂般令人心绪复杂。蔡杰点头称是，并补充说，国际版海报设计中采用了这一创意，通过破损的荔枝贴纸呈现出时间侵蚀的质感，他认为这一设计十分巧妙。影片中穿越雨林寻找食梦貘的场景极具冲击力，仿佛将观众从喧嚣的城市瞬间带入生命的隐秘空间。在呈现这段情节时，导演采用了录像机画面的媒介形式，巧妙融合了丛林与影子的概念，营造出令人五味杂陈的情绪张力。关于这场戏的拍摄手法，蔡杰解释道：团队选择使用DV摄像机进行拍摄，这种老式设备能带来独特的影像质感，恰如2000年前后那一代人的记忆回溯。尽管整部影片主要采用索尼A7S3和专业电影镜头拍摄，但雨林段落特意保留了DV的颗粒感，以强化青春时代的情感共鸣。

此段落的拍摄对我而言极具挑战，其复杂性远超常规场景。在前期筹备阶段，我们投入大量精力进行实地考察，甚至远赴马来西亚寻找理想的原始雨林景观。原本计划在热带雨林环境中进行拍摄，但突如其来的疫情打乱了所有部署，最终不得不改为在香港的林区取景。受限于环境条件，我曾担忧拍摄效果，却意外捕捉到自然环境带来的独特变化。拍摄当日恰逢台风过境，雨水让林区的植被密度与空气湿度产生微妙转变，雾气缭绕的氛围为画面增添了奇幻感。我们让两位演员置身其中，完全依靠直觉诠释情感互动，无论是肢体接触的时机，还是光线穿透林间的瞬间，皆由自然状态主导。这段经历成为整部影片最具诗意与电影质感的片段。

看死君认为，影片中这场戏展现了主人公们作为昔日知己的羁绊。他们在雨林中嬉戏拥抱的场景呈现出阴暗的影调，营造出一种朦胧的虚幻氛围。但当阳光突然洒落在两人身上时，演员的表演透露出明显的错愕与诧异，这种转折或许暗示了婉婷内心对过往情感无法延续的遗憾与错位。

蔡杰则解读道，雨林场景对婉婷而言象征着某种补偿。两人曾共同痴迷于那张带有热带雨林封面的打口碟，而彼时的男孩因追寻理想中的雨林而离开，女孩则始终驻扎在广州过着现实的都市生活。这种关系超越了爱情范畴，更映射出青春时期对生命形态的隐秘渴望，只是女孩长期压抑了这份冲动。影片最终通过那个夜晚的重逢，给予了她重新体验过往的契机。

谈及雷光夏的配乐创作，看死君指出其为影片增添了独特的氛围感。蔡杰补充说明，配乐的首要作用是帮助观众理解女性角色的内心世界。尽管雷光夏老师欣然接受合作，但创作过程充满挑战，她不断尝试各种可能性，双方在微信上持续探讨如何让音乐更贴合影片的情绪表达。

我记得，她最初为影片创作的第一首曲子，正是对应麦婉婷从广州迁至香港的关键场景。对雷光夏而言，这个段落是她在观看粗剪后情绪波动最为剧烈的部分，因此希望以此为起点渲染情感氛围。然而，团队在这一段的音乐设计上反复斟酌，力求找到最佳的呈现方式。最终我们决定先暂且搁置这段，从故事的开篇切入婉婷的情绪轨迹，待整体结构确定后再回溯打磨。这段配乐的创作不仅需要贴合角色的内心变化，更蕴含着一种类似上帝视角的观察方式——透过这个女孩的家庭、时代与地域背景，捕捉更深层的情感共鸣，这种多维度的视角往往难以精准把握。

看死君：在你看来，新生代电影人相较于前辈有哪些独特的特质？蔡杰：每个人的创作初衷各具特色，所依托的地域文化背景也截然不同。我认为这种现象正成为一种潮流，因为中国幅员辽阔，各地的文化积淀与生活体验极为丰富。这些年轻创作者往往主动回归自身熟悉的地域环境，聚焦于特定的社会议题进行艺术探索。值得注意的是，我们这一代导演普遍未完全依赖成熟的工业制片体系，初期多是从零开始，仅凭个人灵感大胆实验。这种基于地域经验的创作路径，反而使表达更加自然纯粹，或许正是当下电影人的显著特征。

看死君追问影片以“风中飘荡的红色塑料袋”作为结尾的用意，并探讨其与“荔枝”意象是否存在首尾呼应。蔡杰回应说，影片中的红色元素确实存在某种隐秘的关联，但决定采用塑料袋作为终幕并非源于此。关键在于，我们在香港拍摄期间持续等待台风天，而拍摄一场台风场景始终是电影的重要愿景。

十月份台风季即将落幕，我们却迟迟未见台风踪影。直到某个清晨，两个8号风球意外降临，令我欣喜若狂。台风过境时，我带着手持摄像机穿梭于香港街头，捕捉那些被风卷起的空镜头。最终定格的画面，是我在凌晨四五点钟的码头，目睹一个塑料袋在风雨中飘荡的瞬间。这个看似寻常的空镜，却让我感受到某种难以言喻的悸动。我期待将这份情绪传递给观众，于是将其作为影片的尾声。至于为何被触动，我同样说不清，或许它恰似观众在观影时产生的共鸣，那些被风搅动的思绪。待台风散去，明晨的塑料袋或许会被清扫，归于尘土，人们也将重归日常。但至少在那个时刻，我看见了风中的塑料袋，也看见了情绪的流转。

看死君表示，他在广州生活多年，对此深有体会。他认为广州日常的天气较为稳定，唯有台风季带来剧烈变化，这种无常恰似人生中难以预料的转折。正是这些突如其来的变故，构成了电影《人海同游》中独特的戏剧张力，呈现出一种私密而深刻的叙事表达。蔡杰回应道，观众完全可以基于个人经历对影片进行多元解读。而他在拍摄过程中最直接的情感流露，其实早已融入镜头本身。因此希望通过银幕传递出故事落幕时那些未被言明的情绪余韵，让观众在观影后产生共鸣。